CAN YOU START BY TELLING US HOW YOUR FASCINATION WITH THE HUMAN FACE BEGAN, AND HOW CAPTURING AN INITIAL IMPRESSION HAS SHAPED YOUR ARTISTIC PRACTICE WE KNOW TODAY?

I became interested in faces because I felt they were the most transparent place through which one could glimpse what is contained within the vessel of the soul. One of the reasons I have drawn so much inspiration from Joseon Dynasty portraiture is that I believe those portraits were created with a similar spirit in mind.

Like the principle of Jeonsinsajo (傳神寫照) practiced by Joseon-era scholar painters, I do not believe the goal of portraiture is simply to create a likeness. For me, what matters more is opening a window through which viewers may find a person of their own within the face of the sitter.

인간의 얼굴에 대한 관심이 어떻게 시작되었는지 말씀해 주실 수 있을까요? 또한 첫인상을 포착하는 과정이 현재 우리가 알고 있는 선교님의 예술 세계를 형성하는 데 어떤 영향을 주었는지 궁금합니다.

얼굴은 제가 생각할 때 영혼을 담은 그릇 안에 무엇이 들었는지 들여다보여지는 가장 투명한 곳이라고 생각했기 때문에 관심을 가지게 되었습니다. 제가 조선시대의 초상화에 많은 영감을 받았던 이유도 그 당시의 초상화들이 그러한 정신을 바탕으로 그려졌기 때문이라고 생각합니다. 조선시대 문인화가들의 ‘전신사조(傳神寫照)’라는 원칙처럼 저에게 있어서 인물화는 닮게 그리는 것이 목표가 아니며, 관객들로 하여금 인물의 얼굴에서 저마다 볼 수 있는 인물을 찾을 수 있도록 창을 열어주는 것이라고 더 중요하다고 생각합니다.

WHEN BEGINNING A NEW WORK, WHAT ASPECTS OF A PERSON'S EXPRESSION OR PRESENCE ARE YOU MOST INTERESTED IN CAPTURING, AND WHY?

To me, the appearance of an expression is the expression of a certain kind of inner noise. If we wish to listen to and understand a piece of music, we cannot properly hear or judge it in a place filled with noise. In the same way, I feel that a face displaying an obvious expression is often a manifestation of noise rather than something capable of conveying the true energy of a person's being.

For this reason, I do not try to depict expressions in my work. In a way, it is similar to fasting before a medical examination, or cleansing oneself before a religious ritual or an important ceremony.

What I hope to capture instead is presence itself — something that gently emanates like a scent when everything else has become still.

새로운 작품을 시작할 때, 인물의 표정이나 존재감 가운데 특히 어떤 부분을 포착하려고 하시며 그 이유는 무엇인가요?

표정이 드러난다는 것은 저에게는 어떠한 내면의 소음이 표현된 것이라고 생각합니다. 우리가 어떠한 음악을 듣고 느끼고 싶다고 할 때 소음이 가득한 곳에서 그 음악을 제대로 듣고 판단할 수 없는 것처럼 표정이 드러난 얼굴은 어떠한 소음의 표현이지 그 존재의 본연의 기운을 전달할 수 없다고 생각합니다. 저는 제 작품에서는 표정을 드러내려 하지 않습니다. 이것은 우리가 몸의 건강을 자세히 검사하기 위해서 병원에 방문하기 전 날부터 금식을 하거나, 종교 제례나 중요한 행사 전에 몸을 정결케하는 것과 마찬가지입니다. 그래서 사실 그 모든 것을 잔잔한 상태로 냄새처럼 풍겨내는 존재감이 더 중요하게 포착되어야하는 부분이라고 생각합니다.

WHEN CHOOSING SOMEONE TO PAINT, WHAT QUALITIES FIRST DRAW YOUR ATTENTION? ARE THERE PARTICULAR EXPRESSIONS, GESTURES, STYLES, OR ASPECTS OF A PERSON'S CHARACTER THAT MAKE YOU WANT TO EXPLORE THEM FURTHER THROUGH A PORTRAIT?

The thing that draws my attention differs from person to person. Sometimes it may be their eyes, and other times it may be their overall atmosphere. When painting the body, those points of interest become even more varied, so I do not think my work is driven by any single element.

I feel the desire to paint someone when I become curious about the world contained within them. It is my hope that, through that curiosity, I can create portraits that carry an undeniable presence.

그릴 대상을 선택할 때 가장 먼저 시선을 끄는 요소는 무엇인가요? 특정한 표정, 몸짓, 스타일 또는 인물의 성격 중에서 초상화를 통해 더 깊이 탐구해 보고 싶게 만드는 요소가 있나요?

시선을 끌게하는 요소는 인물마다 다른 것 같습니다. 눈이 마음에 들었을 수도 있고, 전체적인 분위기가 맘에 들었을지도 모르죠. 몸을 그릴 때는 그러한 요소들은 더욱 다양해지니 특정 요소만으로 작업을 행하게 되는 것은 아닌 것 같습니다. 어떤 사람 안에 담긴 세상이 궁금해질 때 그리고 싶어지고, 그것을 통해 무시할 수 없는 존재감이 담긴 인물화를 만들고 싶은 것이 제 바람입니다.

IN YOUR WORK, INDIVIDUALITY OFTEN APPEARS AS A FORM OF QUIET RESISTANCE TO SOCIAL EXPECTATIONS. WHY IS CELEBRATING INDIVIDUAL IDENTITY IMPORTANT TO YOU AS AN ARTIST?

I think this is because human beings are social animals who cannot escape relationships with others. Because of this, if we do not investigate ourselves, we are left only as a single mass.

In particular, Korean society often seems inclined to perceive and define people through simple affirmation or opposition rather than through a more complex process of understanding. Since I was young, I have felt a great deal of stress and pressure from this tendency, and perhaps that is why I have always wanted to resist it.

What interests me is the act of quietly facing society while remaining oneself amidst those pressures.

선교님의 작품에서는 개성이 사회적 기대에 대한 조용한 저항처럼 나타나는 경우가 많습니다. 작가로서 개인의 정체성을 기념하고 드러내는 것이 왜 중요하다고 생각하시나요?

그것은 우리가 관계에서 벗어날 수 없는 사회적 동물이기 때문이고, 그렇기 때문에 우리 스스로에 대해 자신 스스로가 탐구하지 않으면 우리는 하나의 덩어리로 밖에 남지 않을 것이기 때문입니다. 특히 한국 사회는 정반합이 아닌 정 또는 반으로만 서로를 인식하고 개념화하려는 분위기가 더욱 짙습니다. 저는 어려서부터 그러한 행위에 대한 스트레스와 프레셔를 많이 느껴왔고, 그렇기에 그것에 대해 항상 반기를 들고 싶었던 것 같습니다. 그런 압력들 속에서 조용히 자기자신으로써 사회를 응시하는 것이지요.

YOUR CHARACTERS OFTEN COMMUNICATE A STRONG SENSE OF PERSONALITY AT FIRST GLANCE. WHAT CAN YOU TELL US ABOUT THE INDIVIDUAL IN THE ARTWORK YOU MADE FOR YOUR COLLABORATION WITH 4BYSIX?

The figure in this work was heavily inspired by the Self-Portrait of Yun Duseo. Among portraits from the Joseon Dynasty, Yun Duseo’s Self-Portrait is distinctive for the way the subject looks directly at the viewer. I wanted to bring that same gaze, along with the detailed depiction of his boldly extending beard, into the figure in this collaboration piece, creating a character filled with human spirit and vitality.

However, as the title suggests, Babylon is also a symbol of corruption and pride. The blue brick background and the aristocratic headwear worn by the figure were intended to evoke Babylon. I cannot say exactly what emotions this overlap of images may bring to viewers, but personally I wanted to speak about memento mori and humility. The fact that the work is painted on a bus panel adds another layer of meaning. If the panel itself can be seen as a fragment of a civilisation that has already fulfilled its role, then I think the ideas within the work become amplified in an even more interesting way.

선교님의 인물들은 첫인상만으로도 강한 개성을 전달하는 경우가 많습니다. 이번 4BYSIX 협업 작품 속 인물에 대해 이야기해 주실 수 있을까요?

해당 인물은 ‘윤두서의 자화상’에서 많은 영감을 받았습니다. ‘윤두서 자화상’은 조선시대의 초상화들 중에 독특하게도 관객을 응시하는 시선으로 그려진 작품입니다. 그 응시하는 눈빛과 용맹하게 뻗은 수염에 대한 세세한 묘사들을 저는 협업 작품 속의 인물에게도 심어 인간의 기개와 에너지가 넘치는 인물로 표현하고 싶었습니다. 하지만 작품의 제목처럼 바빌론은 부패한 문명과 교만을 상징하기도 합니다. 배경의 파란벽돌과 인물의 귀족적 이미지가 담긴 관모는 이러한 바빌론을 떠올리게 하고 싶었습니다. 해당 두 이미지의 중첩이 보시는 관객들에게 어떠한 감정을 떠오르게 할지는 명확히 알 수 없지만, 개인적으로는 메멘토모리와 겸손에 대한 이야기를 전달하고 싶었습니다. 버스 패널이 재료라는 것도 무언가 몫을 다한 문명적인 것의 조각이라고 본다면 의미가 더욱 재미있는 방향으로 증폭되지 않을까 생각했습니다.

HOW DID YOU FIND THE EXPERIENCE OF WORKING ON A BUS PANEL? DID 4BYSIX’S INITIATIVE AND/OR THE SURFACE SPARK ANY INSPIRATION FOR THE FINAL PAINTING?

It was a very interesting experience. Unlike canvas, the surface of a bus panel does not have a naturally friendly relationship with paint, so even simple blending techniques were not easy. However, the process of gradually overcoming those challenges turned out to be more enjoyable than I expected. Through this collaboration, I was also able to better understand how the physical nature of a material can influence the way paint is expressed.

버스 패널 위에서 작업한 경험은 어떠셨나요? 4BYSIX의 프로젝트 취지나 버스 패널이라는 독특한 작업 표면이 최종 작품에 어떤 영감을 주었나요?

상당히 흥미로운 작업이었습니다. 버스패널은 캔버스의 천과는 달리 물감과의 관계가 좋지 않아 간단한 블렌딩을 하는 것도 쉽지 않았습니다. 그렇지만 그것을 결국에 정복해나가는 과정은 예상보다 즐거웠습니다. 재료의 물성에 따라 물감의 표현이 달라지는 것도 협업 덕분에 더 자세히 알게 되었습니다.

AS ENVIRONMENTAL SUSTAINABILITY IS BECOMING AN INCREASINGLY IMPORTANT CONSIDERATION WITHIN THE ARTS,  IS SUSTAINABILITY SOMETHING YOU THINK ABOUT IN YOUR OWN PRACTICE? WHETHER IN YOUR CHOICE OF MATERIALS, STUDIO PROCESSES, OR THE THEMES EXPLORED IN YOUR WORK?

I am aware that many artists are thinking about environmental issues and sustainability within their practices. However, my own focus has been on using the materials and methods that best allow me to express my work.

예술계에서 환경 지속가능성이 점점 더 중요한 주제가 되고 있습니다. 선교님 역시 작업 과정에서 지속가능성을 고려하시나요? 재료 선택, 작업실 운영 방식 또는 작품에서 다루는 주제 등의 측면에서 말씀 부탁드립니다.

예술계에서 환경이나 지속가능성을 생각하는 작가들도 있다는 것은 알고 있습니다만, 저는 제 작업을 잘 표현할 수 있는 재료와 방식으로 제작하고 있습니다. 

SINCE THE BUS PANEL PAINTING, CAN YOU TELL US WHAT YOU HAVE BEEN WORKING ON, AND HOW HAS YOUR PRACTICE DEVELOPED IN THAT TIME? LOOKING AHEAD, WHAT FEELS LIKE THE NEXT DIRECTION OR FOCUS FOR YOU ARTISTICALLY?

Recently, I have often felt that my work has been moving too far away from reality. Perhaps because of my own limitations, concerns that are overly conceptual or idealistic have sometimes made it more difficult for me to face the canvas.

There are several directions I am considering, but for now I would like to spend some time painting self-portraits.

버스 패널 작업 이후 최근에는 어떤 작업을 진행하고 계신가요? 그동안 작업 세계는 어떻게 발전해 왔다고 생각하시나요? 앞으로 예술적으로 집중하고 싶은 다음 방향이나 목표가 있다면 무엇인가요?

요즘에는 그동안의 작업들이 너무 현실에서 떨어진 작업으로 나아가고 있다는 생각이 종종 듭니다. 너무 관념적이고 이상적이기만 한 고민들은 저 스스로의 부족함 때문인지 캔버스 보기를 더 두렵게 느껴지게 만들었던 것 같습니다. 몇가지 방향이 있지만 당장은 자화상을 좀 그려보고 싶습니다.